昨天，周杰伦的新歌MV上线，几乎瞬间引发全网讨论热潮。有人说编曲没啥新意，有人说周董听起来还是曾经的味道，有人在MV中找到了自我致敬的彩蛋，还有人拼命挖掘镜头里、歌词里那些“最伟大的作品”都是什么。
在这支MV里，周杰伦仿佛伍迪·艾伦在《午夜巴黎》中设想的那样，穿越时空，回到了巴黎，参加一场“流动的盛宴”。只不过他见到更多的是艺术家——达利、莫奈、马格里特、常玉……不仅如此，他还给这些艺术家变了魔术，似乎正是这些跨时代的魔术启发了艺术家们的灵感，让他们创造了流传至今的伟大作品。
有人说，周杰伦这不是在写新歌，而是在拍艺术史。为了搞清MV里的艺术作品都是什么，我们反复看了好几遍，把关于艺术的彩蛋都梳理了下来。跟着周杰伦一起穿越巴黎的时候，别忘记带上这份“现代艺术漫游清单”?
01. 勒内·马格里特
Rene Magritte
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偏执是那马格里特，被我变出的苹果
超现实的是我，还是他原本想画的小丑
不是烟斗的烟斗，脸上的鸽子没有飞走
在MV中致敬的第一幅画作是比利时超现实主义画家勒内·马格里特（1989—1967）的《人类之子》（1964）。对很多人来说，虽然不一定知道这位画家的姓名，但对他的画作毫不陌生。歌词中“烟斗”对应经典的《形象的叛逆》（1928），“鸽子”指的则是《戴圆顶硬礼帽的男人》（1964）。
勒内·马格里特采取了一种稍微不同的方法来表现他那逼真的梦境。比起达利的怪僻，马格里特明显要传统保守得多，但他所栖息的世界无疑更加离奇：表面上看，这是一个日常的、世俗的世界，但是，正是在那些平常的事物之下潜藏着不平常的邪恶。
在勒内的头脑里，隔壁邻居是连环杀手，蹦蹦跳跳去上学的可爱学生实际是邪恶的少年犯，他们用水银慢慢毒死老师。在这位比利时艺术家的眼里，万物都与其表面看起来不同。从气管里感受到空气中的诡异征兆。马格里特是妄想国的王子，是恐怖世界的元老。
《戴圆顶硬礼帽的男人》
《人类之子》
《形象的叛逆》
曾经在广告界工作的马格里特深谙如何把画面渗入人们思想之中。他明白，最有效的广告海报，其特点在于雄心勃勃的画面加上被广泛接受的假设。在马格里特等艺术家的手中，日常的和不可能遇见的事物就成了广告人的工具，被转化成了“魔幻现实主义”的有力隐喻。他告诉我们，生活是种假象，没有什么画面是真实的——包括那位你认为是正常的邻居。
02. 萨尔瓦多·达利
Salvador Dalí
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达利翘胡是谁给他的思索
弯了汤勺借你灵感不用还我
融化的是墙上时钟还是乳酪
龙虾电话那头你都不回我
镜头从马格里特转过来，我们可以看到一张非常熟悉的脸，两撇小翘胡子，是另一位超现实主义艺术家萨尔瓦多·达利（1904—1989）的标志。除了“融化的时钟”《记忆的永恒》（1931）之外，达利还和他的西班牙老乡路易斯·布努埃尔一起拍过电影《一条安达鲁狗》，给惊悚大师希区柯克的《爱德华大夫》做过场景设计。
达利在成为超现实主义者两年后创作了《记忆的永恒》。许多人仅仅把它视作一幅海报，但原作用意并非如此，它很小（24×33 厘米），却具有极其丰富的内容。仔细审视，便会发现这是一幅以细腻的心思和技巧完成的作品，达利在其中所运用的调色技巧如同文艺复兴大师般精妙。
更重要的是，他成功地使每个看到这幅画的人感到不安。这本是一幅普通的风景画，展示了地中海以及伫立在西班牙海岸东北边上的悬崖峭壁，不远处便是这位艺术家的家乡。然而一片黑色的阴影在海岸上若隐若现，使画面呈现出凶险的面貌，就像致命的病毒。所有困在它那冷酷无情的怀抱中的事物都变得软绵绵，并开始快速腐烂。曾经坚硬的怀表像死人一样耷拉着，表盘仿佛加热过的奶酪，不成形状。
这是时间的尽头：生命的尽头。一群黑蚂蚁聚集在一只稍小的钟表的尸体上，另一只钟表则在一个丑陋至极、貌似水母的生物上滑落。那就是达利。或者说，至少是艺术家肖像里那张脸的近似物。那令人窒息的死亡阴影亦将他包围，使他的内在一点点从鼻孔里流逝，同时使他变得软弱无力、死气沉沉、令人生厌。
《记忆的永恒》这幅作品关于性无能（达利巨大恐惧的来源）、时间的无情以及死亡的侮辱。达利将画的背景设置在一个众所周知的人间天堂，通过把这个丑陋的超越现实的画面植入我们的脑海中，来毁掉人们在这类地方的愉快体验。这幅画谈不上漂亮，但很聪明。这一点和它的创作者很像。
《龙虾电话》
歌词里的“龙虾电话”，又称“春药电话”，是达利在1936年为英国诗人、超现实主义艺术收藏家爱德华·詹姆斯所作的作品。他在自传中透露了自己的创作动机：“我很好奇，为什么每次我在餐厅点烤龙虾，送来的却都不是烤电话？”
03. 常 玉
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浪荡是世俗画作里最自由不拘的水墨
花都优雅的双腿是这宇宙笔下的一抹
飘洋过海的乡愁种在一无所有的温柔
寂寞的枝头才能长出常玉要的花朵
MV中为数不多的东方面孔之一，那位向周杰伦赠画的是法国华裔画家常玉（1895—1966），他也曾被誉为“东方马蒂斯”“中国的莫迪里阿尼”。他的艺术作品融东西方风格于一体，在艺术史上有着不可取代的地位。
歌词唱到“飘洋过海的乡愁种在一无所有的温柔”，是常玉颠沛流离的一生的缩影。这位传奇画家曾是富家子弟出身，可是一生之中漂泊他乡，在穷困潦倒之中死于巴黎。他生前并未得到当时艺术界的普遍认可，在去世之后才逐渐被人发现这块蒙尘的玉。
《聚瑞盈馨》
MV中周杰伦施展魔法变出来的花束，是在向常玉笔下的花致敬；“花都优雅的双腿”是常玉在巴黎的一大主题，其中最著名的是《曲腿裸女》（1965），曾被苏富比以1.98亿港币的最终成交价拍卖。这幅画是常玉生前的最后一幅裸女作品，也是他风格的集大成之作；
《曲腿裸女》
而常玉送给周杰伦的，则是一幅颇具习作性质的水彩画。
MV中常玉的水彩画
对了，常玉和徐志摩曾是好友，在徐志摩《巴黎的鳞爪》中，还曾描绘过常玉当时的寓所。“宇宙大腿”也是徐志摩用来形容常玉裸女画作系列的说法，被周杰伦挪用到了MV里。
04. 克劳德·莫奈
Claude Monet
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花园流淌的阳光
空气摇晃着花香
我请莫内帮个忙
能不能来张自画像
......
日出在印象的港口来回
光线唤醒了睡着的花叶
在MV中给周杰伦画肖像的白胡子老头，长得很像法国画家克劳德·莫奈（1840—1926）的自画像。接下来的两句中，分别致敬了莫奈的代表作《日出·印象》（1872）和《睡莲》。
莫奈《戴贝雷帽的自画像》
莫奈在生命的晚年，于家乡吉维尼，日复一日、月复一月、年复一年地观察着他钟爱的水上花园，创作出那套近十三米宽的三联画。变幻无常的光线在水面上产生的效果吸引着这位已入老境的艺术家。他的视力或许在减退，但他思维的敏捷和对色彩运用的天赋则与年轻时别无二致。
《日出·印象》
《睡莲》
同样，他爱好创新的性格也未改变。按照传统的画法，风景画会将观众置于能清楚辨别出方向的理想位置上。但莫奈晚期的“宏大装饰画”却反其道而行之，我们就像被投掷到了一个无边际的池塘中间，置身于鸢尾植物和睡莲之中，此时，我们别无选择，只能被他那像施了催眠术般的多彩画面所降服。
05. 亨利·马蒂斯
Henri Matisse
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小船静静往返
马谛斯的海岸
“小船静静往返，马谛斯的海岸”,这句歌词就是致敬的是野兽派代表人物——法国画家亨利·马蒂斯（1869—1954），“海岸”指的是马蒂斯的一幅画《窗外的蔚蓝海岸》（1912）。
《窗外的蔚蓝海岸》
对一个仍妥协于印象派和后印象派的艺术界而言，野兽派那浓重的用色一定显得极其粗俗浮华，但其实马蒂斯和粗俗浮华根本就沾不上边。他是三个孩子的父亲，为人认真，衣着朴素，仍像他当律师时那样行事。他做过的唯一一件“疯狂的”事就是违背了父亲的意愿，弃法从艺。除此之外，他像机场跑道一样规矩。
马蒂斯的《生之欢乐》（1905）是典型的野兽派作品。马蒂斯的出发点是田园风光，传统风景画中一个历史悠久的题材。他创作了一幅充满享乐之愉悦的画面—做爱，音乐，舞蹈，日光浴，采花和休闲—在一片点缀着橙色和绿色树木的亮黄色沙滩上。这些树优雅地弯下身，为一些清冷的蓝紫色草地投下片片阴影，情侣们在草地上亲吻、拥抱。远处平静的海有着和草地一样荒诞的颜色，充当了金色沙滩和奇怪的粉红色天空之间的水平分界线。
这幅高度个人化的作品见证了，不管是作为伟大的色彩家还是设计大师，马蒂斯正步入他的全盛时期。追寻他笔下那种轻松、优雅和流畅的线条，是一种视觉上的享受。他在画布上留下的符号虽然简单，却和观众建立起直接而难忘的联系，这种能力使他从一个好画家上升为一位伟大的艺术家。画中形状对比所造成的和谐效果，以及构图的统一性，在绘画史上鲜有匹及者。
06. 文森特·梵高
Vincent van Gogh
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星空下的夜晚
交给梵谷点燃
“星空下的夜晚，交给梵谷点燃”，毫无疑问，说的就是荷兰画家文森特·梵高（1853—1890）所作的《星夜》（1890）。
没有谁比梵高对表现主义发掘得更多。他的故事也许比现代艺术经典中的其他任何艺术家的故事都更广为人知：他的疯狂，割掉的那只耳朵，他的向日葵，还有自杀。思想开明、善于发掘新秀和培养艺术家的卡米耶·毕沙罗用一句富有同情心的老话概括梵高：“我多次说过，这个人将来要么发疯，要么超过我们所有的人。而他这两点都占了，对此我没有预见到。”
今天我们对梵高的艺术就像对他的生平一样熟悉，而他活着的时候却几乎不为人所知。但是这种熟悉并不能让你在第一次接触他的绘画时就做好接受的准备。这就像你第一次去听柏林爱乐乐团的演出或在狂欢节期间参观里约：当面对伟大的生命力量，另一种维度被添加了进来。这些事物的本质只有不经任何媒介才能真正体会到，换言之就是，必须身处其中。对于柏林爱乐乐团，是音乐的深度打动你，而里约的活力正是它无法被复制的因素；对于梵高而言，这种本质就是他所表现的对象。因为梵高许多杰出的绘画不单单是画，它们更像是雕塑。
站在几米远的位置上看，他的一些后期画作开始呈现出三维效果。走近一点，你会发现，梵高把大量明亮的彩色油画颜料倾倒在画布上。他用强墨重彩，就像周六晚上的易装皇后，然后把它们捏塑成块，但不是用画笔，而是用他的调色刀和手指。这种技术并不是新发明。伦勃朗和委拉斯开兹都使用过厚涂法。但是在梵高手中，其效果变得更具表现力和戏剧性。他不想让颜料仅仅去描画某部分画面，而是要让它成为画面的一部分。通过严格客观地描绘他们所见，印象派画家力图彰显真实，而梵高则要更进一步，他要展现关于人类境遇的更深刻的真理。
07. 爱德华·蒙克
Edvard Munch
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梦美得太短暂，孟克桥上呐喊
这世上的热闹，出自孤单
……
“蒙克桥上呐喊”指的自然是挪威表现主义画家，爱德华·蒙克（1863—1944）最著名的那幅画作——《呐喊》，1890年代，蒙克创作了至少五个版本的《呐喊》。
“这世上的热闹，出自孤单”用来形容蒙克的经历也很贴切，这位画家的童年几乎在病痛、丧亲和对家族遗传精神疾病的恐惧中度过，他鲜明的风格也是在这些幽深情绪的影响下创作而成的。
《呐喊》
不过或许鲜少有人知道，蒙克的艺术道路也是受到了梵高的启发。尽管梵高于1890年去世时基本不为人知，也无人认可，但梵高对现代艺术的影响几乎立即显现。在他去世三年内，挪威艺术蒙克创作出《呐喊》，这位斯堪的纳维亚艺术家长久以来一直想使他的绘画情感更加强烈，但却不知如何下手。直到1880年代末，他在一次巴黎之行中看到了梵高的作品，才明白怎样成就自己的艺术抱负。
蒙克在《呐喊》一画中模仿了梵高“扭曲”形象的方法来传递他心灵深处的情感。结果，它成为表现主义绘画的经典之作：画中人物脸上那扭曲了的恐怖表情，融合了惊吓与恳求，使观看者直接领会了艺术家所感受到的世界的焦虑。这是一幅有先见之明的绘画，甚至可称为现代的《蒙娜丽莎》。它于现代主义的曙光中出现，唤起了人们在展望一个新时代对未来的恐惧和人类普遍的担忧。
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其他彩蛋
咖啡馆里一闪而过的法国表现主义艺术家阿梅戴奥·莫迪里阿尼（1884—1920）的画作，还挺考验眼力的：
右上角的画是莫迪里阿尼为法国作家、诗人、导演让·谷克多所作的画像（1916），右下角是《戴黑色领带的女人》（1917）。常玉所擅长的裸女画作，大概也是受到莫迪里阿尼的影响。
*本期文章内容部分来自《现代艺术150年》
出处：头条号 @理想国
仰望我所仰望！
